Matik-Blink

Tema noche de escucha

Noche special "A love supreme" John Coltrane

John Coltrane

mié 25 Jun 2008 8 p.m.

Homenaje a uno de los discos mas importantes de la historia del jazz con la proyección del concierto "A love supreme - Live in Ámsterdam" del Brandford Marsalis Quartet, lecturas, y escuchas.

ENTRADA LIBRE


Ir al menú

Escucha ! Dracula de Pierre Henry

Pierre Henry

vie 25 Jul 2008 9 p.m.

Pierre Henry es un compositor francés nacido el 9 de diciembre de 1927 en París.
Está considerado como el creador, junto con Pierre Schaeffer, de la llamada Música concreta y uno de los padrinos de la Música electroacústica. Nunca fue a la escuela, sus padres contrataban educadores que lo visitaban en su casa. En 1944 comenzó sus estudios en el conservatorio, donde estudió piano y percusión con Passeronne, composición con Nadia Boulanger y Armonía con el maestro francés Olivier Messiaen.
ACERCA DE SU OBRA DRACULA (1927)

Hay dos aspectos en la obra de Pierre Henry.

Por un lado, la vertiente experimental "abstracta" o formalista, que se refiere a una pura "plástica" del sonido (Variaciones para una puerta y una suspiro, Movimiento de tipos de estudio, piedras reflexivo ...)

Por otro lado, la vertiente experimental "romántica" visionaria y mística, que está relacionada con la pintura de frescas sonoras monumentales al fuerte poder de sugestión (Apocalipsis de Juan, fragmentos por Artaud, El Libro de los Muertos Egipcio...).

Dracula es de la segunda vertiente y esto no es una coincidencia si se utiliza el término "romántico". Cuando el compositor francés toma el universo de uno de sus ilustres predecesores, se presenta asi casi siempre : las sinfonías de Beethoven por la reconstrucción de la decima, las páginas finales de Liszt para el "Concierto sin orquesta", y, por último, momentos estrictamente sinfónicos de la Tetralogía de Wagner en su obra "Drácula", creado durante el ciclo de conciertos "Pierre Henry en su casa" en 2002. "Dracula" parece ser parte de un logro impecable: más de 50 minutos sin interrupción durante los cuales la música de Wagner fluye sin cesar, como la lava ardiente en el flanco de un volcán, cuya erupción se lleva a cabo sin tropiezo. ¿Por qué Wagner? Debido a que Pierre Henry quiso realizar un tipo de película expresionista de terror, con el mítico personaje de Drácula como héroe, una película sin imágenes.

Si Beethoven fue el inventor de la "melodía de pocas notas", Wagner es el de la "melodía infinita", que prefigura por así decirlo a la música cinematográfica.

Se reconocen de vez en cuando leitmotiv del Ring que se mezclan en el continuum sonoro, produciendo una derivación musical de ecos etéreos, donde se añaden muestras de sonidos "vampiricos", que parecen surgir de la música del compositor alemán.

Un ejercicio de estilo logrado, una pieza fascinante del principio hasta el fin.

 


Ir al menú

Escucha ! Luc Ferrari

Luc Ferrari

mié 13 Ago 2008 9 p.m.

Luc Ferrari
Les anecdotiques, exploitation de concepts N°6
Los anecdóticos, explotación de conceptos N°6
(2004)

Entrada libre

Luc Ferrari es uno de los más famosos representantes, con Pierre Henry y algunos otros, de la música concreta francesa que investiga en todas partes de la naturaleza un material musical, destinado a ser rediseñado para formar un mundo musical coherente y autosuficiente.
Sin embargo, a diferencia de Pierre Henry, Luc Ferrari no es un demiurgo del sonido, ni un formidable constructor de catedrales de sonidos al universo alucinante y místico.
Luc Ferrari es un escultor delicado, que graba un paisaje sonoro existente, al azar de sus peregrinaciones, y le hace sutiles metamorfosis, reconstruyéndolo para darle una perspectiva diferente.
Esta acción es única en la historia de la música, y su resultado es absolutamente fascinante. ¿Cómo describirlo? Oyes a turistas en un museo, a carros que van a toda velocidad en una carretera: "estas en territorio conocido". entonces, gradualmente, con la repetición de ciertos sonidos y algunas deformaciones imperceptibles, estos objetos sonoros se animan de una manera diferente, adquieren un ritmo, una armonía entre ellos que no tenían antes. Este paisaje que te parecía tan familiar se convierte en una obra de arte por la interpretación que le hace el artista.
Luc Ferrari no es, hablando con propiedad, un músico. Es un pintor, con la diferencia que el sentido que se utiliza no es la vista, sino el oído. Lo que hubiera podido solo ser un laboratorio, un campo de experimentaciones sin limite y repulsivo, se convierte en una experiencia formidablemente sensual, desconcertante sin ser espantosa. El compositor nos proporciona las gafas que dan una nueva dimensión a realidades sonoras que parecían banales. Es supremamente excitante, especialmente en lo que Luc Ferrari teje (para perdernos) extrañas conexiones entre cada etapa del viaje, y le combina algunos sonidos "exteriores": notas electrónicas flotantes, entrevistas de mujeres que hablan de su vida. Estos elementos "exteriores" no están solamente perfectamente integrados, sino que establecen una relación entre los lugares visitados, que nos parece al final como necesaria, natural.
Estaría tentado de hacer el comentario el mas estúpido del mundo, pero no importa, esta música es magia, y magia operada con casi nada.
Es inútil de hablar en detalles de cada título: sería perjudicial para la voluptuosa armonía y la continuidad sonora de la obra.
¡Ja, una última cosa!
Que no te fías al titulo de la obra: no tiene nada de carácter anecdótico. publicada en 2004, se impone como una de las principales obras del compositor francés.
Y no más al subtítulo "explotación de conceptos": no hay nada aquí de cerebral o intelectual que podría rechazar el auditor; ¡embárcate sin la menor vacilación!


Traducido del sitio Guts of Darkness (http://www.gutsofdarkness.com/god/objet.php?objet=5590)

 


Ir al menú

Escucha ! Bernard Parmegiani - De Natura Sonorum

Bernard Parmegiani

vie 29 Ago 2008 9 p.m.

Entrada libre !!! 9PM

Bernard Parmegiani : De Natura Sonorum (1975, INA-GRM.)
Primera serie (28:03)
1/ Incidences/Résonances (4:00)
2/ Accidents/Harmoniques (4:46)
3/ Géologie sonore (4:34)
4/ Dynamique de la résonance (2:53)
5/ Etude élastique (6:42)
6/ Conjugaison du timbre (5:05)
Segunda serie (24:49)
7/ Incidences/Battements (1:43)
8/ Natures éphémères (4:08)
9/ Matières induites (3:44)
10/ Ondes croisées (2:01)
11/ Pleins et déliés (4:39)
12/ Points contre champs (8:31)

Un disco tan fascinante como espantoso.

Espantoso en primer lugar por su austeridad, su severidad reivindicada. Este encadenamiento de doce movimientos, dividido en dos series, no es ni más ni menos que una colección de ensayos, cada uno referido a un fenómeno sonoro preciso y estrictamente circunscrito.
El título de la obra y de cada movimiento están también suficientemente explícitos: no estamos aquí para reír.
En la primera serie, que combina los sonidos instrumentales y sonidos electrónicos, Parmegiani hace un estudio de caso de la resonancia electrónica que se puede dar a un sonido instrumental, la interrupción de una continuidad armónica con breves explosiones, en última instancia el cambio de timbre, los efectos de las vibraciones, etc.
La segunda ronda, en la cual los sonidos instrumentales son más raros, Bernard estudia los fenómenos de trayectorias, rebotes, de oposición entre varios sonidos electrónicos ...
Usted es, sin duda, de antemano desalentado por esta descripción de una pieza que, por su lado clinico y sus fríos experimentos de laboratorio, parece oponerse a cualquier noción de placer en la escucha.
¡¡¡ERROR!!!
Porque este trabajo, que marca una verdadera ruptura en el proceso creativo de Parmegiani, es también fascinante. Hace muchos años que los estudios en música nos son neutros y que la definición precisa de un campo de investigación no impide el disfrute orgánico que puede aportar la música.
Así pues, la arquitectura de la obra nos abre, en mitad y fin de cada serie, un abismo en que todas nuestras facultades de análisis se pierden. Es el caso del oscuro "Geología sonora", en el cual el surgimiento de las capas está empezando desde las entrañas de la tierra. De mismo para " Conjugaison du timbre" que pilla al auditor por sorpresa y le sumerge en una atmósfera sórdida. " Matières induites ", que cumple la promesa de su programa, es una extraordinaria proeza en la cual cada sonido, proyectado en salva de manera continuada, come poco a poco el sonido que lo precede, en una perpetua "transformación de estado".
Por último, el punto más alto es, evidentemente, reservado para el final, que hace surgir eventos sonoros breves en una ramificación armónica que se volve cada vez más compleja y invasora.
Mas o menos traducido del sitio web Guts of Darkness
http://www.gutsofdarkness.com/god/objet.php?objet=7292

 


Ir al menú

Escucha ! Storm de Chris Watson & BJ Nielsen

Chris Watson, BJ Nielsen

mié 10 Sep 2008 9 p.m.

Esto también es música. Con Mayúsculas. No hay instrumentos; sólo el sonido de la naturaleza. Chris Watson (ex-Cabaret Voltaire) junto a BJ Nilsen, colocaron micrófonos en algunos lugares privilegiados (orilla del Mar del Norte, distintas zonas de Escandinavia, costa del Báltico) y grabaron una colección de gemas pulidas por el viento y la acción de los silbidos de la Tierra. Son tres piezas donde si cierras los ojos te puedes imaginar a las ballenas en un baile nupcial de plactón y amor majestuoso; o a bandadas de gaviotas colapsando el aire con un manto de chillidos contaminantes.

Y de fondo, en los 3 tres temas, el mar. El mar que no cesa, agitado, frenético, nervioso, habilitando la silla que tenemos en el circo de nuestra psique, reservada para olvidarnos de todos y de todo. Nos sumergimos en la versión original de la vida, en los pezones del alma libre de la pasión asesina de nosotros los humanos. Comenzaron en el año 2000 a dejar en el magnetófono este idílico paseo de odas de solsticio de invierno y equinoccio otoñal.

Envuelve desde la primera escucha; y los ciclónicos combates del veloz viento contra el sonido de las rocas, repica y repica como un mántrico torrente de calma. Alguién pondrá este disco en los estantes de la new age. Craso error. La unica floritura espiritual la trae el impetu de los elementos y el unico mensaje posible es el de dejar de mirarnos tanto el ombligo.

Necesario de oír para combatir la agitación de los días, para viajar en un barco vikingo hacia el ocaso de las tormentas, hacinándonos en un rincón para caer rendidos en los regazos de la aurora boreal contenedora de la paz que tanto ansiamos.

 

Entrada Libre

 


Ir al menú

Escucha ! Absinthe de Naked City

Naked City

mié 24 Sep 2008 9 p.m.

Escucha ! Absinthe

Sacado en 1993, "Absinthe" es el último álbum de Naked City. El grupo de John Zorn abandona definitivamente el jazz hardcore y cambia otra vez de universo con una música ambiente, tendencia industrial.
La vez pasada, el clima era bastante frio con las grabaciones de la costa norte europea de Chris Watson.
Esta vez, es diferente : Naked city te hiela el sangre desde el primer acuerdo de guitarra.
Un ambiente oscuro, influyendo todo poderosamente sobre la imaginación, pero no del lado "Walt Disney" de la vida.
Texturas húmedas, capas sonoras cargantes, sonidos psicotrópicos, Locura Malsana seria un resumen bien jovial y optimisto de lo que se experimenta con Absinthe.

entrada libre
9PM

 


Ir al menú

Escucha ! Francis Dhomont - jalons

Francis Dhomont

mié 08 Oct 2008 9 p.m.

"Todos los sonidos, sin importar su origen, tienen el mismo valor y pueden ser musicalmente organizados. Estos elementos, estos objetos sonoros, sean de naturaleza acústica o electrónica, son grabados, después procesados, editados, mezclados (noten la analogía con las técnicas utilizadas en en cine) y "orquestados" en el estudio, mediante el uso de una tecnología que está siempre en evolución. FInalmente - y este es el punto más importante - la organización de "espectro-morfologías" (Denis Smalley) complejas, muy separadas de la "nota musical" no pueden ser plenamente realizadas con las herramientas conceptuales tradicionales; un cambio de tal profundidad requiere nuevas estrategias composicionales, y una muy diferente estética y preocupaciones formales que aquellas encontradas en una composición musical instrumental.

Este original método composicional comienza con lo concreto (pura materia sonora) y procede hacia lo abstracto (estructuras musicales ) -de aquí el nombre de "musique concrète" -al contrario de lo que ocurre en la escritura instrumental, donde uno comienza con conceptos (abstracto) y termina con una interpretación (concreto). Por consiguiente, la musica concreta requiere que sus oyentes deshabitúen su audición (acostumbrada a la matriz de alturas, escalas, relaciones armónicas, timbres instrumentales , etc) y desarrollen una actitud de escucha activa basada en nuevos criterios de percepción. Esta música también es llamada concreta porque está fija en una cinta por medio del proceso de grabación. ("sono-fixation", M Chion) de la misma forma que la imagen está fija en una tela o en un film."

Francis Dhomont


Entrada Libre

 


Ir al menú

Escucha ! Steve Reich - Music for 18 Musicians

Steve Reich

mié 22 Oct 2008 9 p.m.

Steve Reich es un compositor estadounidense. Reich es conocido por ser uno de los pioneros del minimalismo, con Philip Glass, Terry Riley y La Monte Young.
Reich en sus inicios desarrolló varias técnicas de composición musical, que incluyen el uso de loops en cinta -tal como en sus primeras obras It's Gonna Rain y Come Out-, efectos de fase repetidos -Phase Patterns, Violin Phase y Piano Phase- y nuevos conceptos musicales -en Pendulum Music, la retroalimentación con micrófonos y en Four Organs, el alargamiento-. Estas composiciones tuvieron una importante influencia en la música contemporánea americana, aunque luego Reich ha ido abandonando la experimentación tecnológica para seguir explorando nuevas formas de expresión musical con el uso de ensembles estrictamente instrumentales, en obras como Drumming, Music for 18 Musicians, The Cave, City Life y Three Tales.
The Guardian ha descrito a Reich como uno de los pocos compositores que «alteró la dirección de la historia de la música»; The New York Times lo sitúa «...entre los más grandes compositores del siglo»; The New Yorker, habla de él como «...el más original pensador musical de nuestro tiempo»; y, The Village VOICE, sencillamente dice que es «...el más grande compositor americano vivo».

gracias wikipedia !

 


Ir al menú

Escucha ! Janek Schaefer - Out

Janek Schaefer

mié 05 Nov 2008 9 p.m.

Janek Schaefer was born in middle England to Polish and Canadian parents in 1970. After preparing sound collages as a boy, Janek's musical career was fractured in his teens when, as head chorister at school, his voice broke. A decade later, while studying architecture at the Royal College of Art, the fragmented noises of a sound activated tape recorder travelling overnight through the British postal system were to re-establish his audio career. That work, titled 'Recorded Delivery,' was made for an exhibition with one time postman Brian Eno. Since then the nature of sound has been his primary area of exploration, resulting in many releases, installations and soundtracks for exhibitions, and most notably performances involving his self built/invented 'Twin' and 'Tri-phonic' turntable [which is listed in the Guinness Book of Records as the 'World's Most Versatile Record Player']. Using hybrid analogue and digital techniques to manipulate field recordings with live modified vinyl and found sound in a 'Concrete ruffian style' [The Wire 1998], his most recent work has been examining the role of vinyl as a compositional tool with the 'Skate' LP/installation 'Wow' 7" and the 'On/Off LP'. His studio album, Above Buildings, was released on Fat Cat to considerable praise, [The Guardian newspaper CD of the week]. He formed 'Comae,' the improvisational electro-acoustic duo with Robert Hampson [MAIN] in 1999, with new collaborations due for release soon with Philip Jeck, Rothko, and Gino Zardo [an NY photographer]. Janek runs his own label [audiOh!Recordings] and [website] as well as releasing work with Sub Rosa, Hot Air, Staalplaat, Sirr.ecords, Rhiz, and Diskono. He now operates as a full time sound artist/composer/musician from the audiOh!Room in London.

Entrada Libre

 


Ir al menú

Escucha! AMM -Norwich

AMM

mié 03 Dic 2008 medio día

AMM es un grupo que se formo en las sesentas. Su principio fui durante estas cuarenta anos de existencia de quitar toda forma de composicio, y llegar a la improvisacion la mas pura. No existe ni un album de esta formacion, solo grabaciones en vivo de performances, nunca preparadas.

The 54-minute uninterrupted set is structured very much like what admirers of the group have come to expect: it emerges from the existing sound-space in an unobtrusive manner, tinges the environment in various ways, and departs back into the ether. At the beginning, Prévost appears to be plucking at some sort of stretched string (the innocent listener may even suspect the presence of an acoustic bass!) while Tilbury operates initially from inside the piano, the stringboard of which has been prepared with sundry objects, before moving to some hazy ruminations at the keyboard. Interestingly, at this point it sounds as though Prévost is employing some sort of mechanical device, whirring and striking some resonant strings, perhaps as a little homage after the fact to Rowe. Tilbury, in duo format, becomes a somewhat more active participant than he often was in the trio, forcing the action a bit more than floating atop it, bursting into abrupt Taylorisms here and there in addition to his more delicate arpeggiating. Prévost, for his part, does a masterful job of sinking into the background, coloring the proceedings with precisely the right shadings and accents, staying almost entirely off of the drum set as such, concentrating far more on gongs, bowed cymbals, metal and wooden objects, and other esoterica.

Despite the occasional violent outburst, the prevailing mood is subtle and mysterious, Prévost sometimes going entirely sub-aqueous with cetacean moans of uncertain parentage bouncing off Tilbury's impossibly soft, ultra-low key depressions. Delights abound, and picking out individual moments is something of a fool's errand, but special mention should be made of the gorgeous sequence of notes Tilbury develops during the closing ten minutes of the performance. Perfectly placed and chosen, hovering in the air, it's some of Tilbury's most beautiful improvising on record. While experienced AMM listeners may well feel that something's lacking, Norwich, heard on its own merits, is a very fine recording and a strong addition to an already amazing catalog of work..

Brian Olewnick,?All Music

Entrada libre, of course !

 


Ir al menú

Escucha ! Phonophani

phonophani

mié 28 Ene 2009 9 p.m.

Sesion de escucha en *matik-matik* ! cada 2 semanas, en los pufs, sin luz, escuchando.
Entrada Libre.
Originalmente publicado en 1998 en una cantidad limitada (500 LP), en el sello Biophon (Biosphere), el primer álbum de Phonophani es una gema que obtuvo un justo re-lanzamiento en el sello Rune Grammofon en 2006.

Un extraño, misterioso álbum creado a partir de muestras filtradas de lo que suena como música orquestal y exploraciones electrónicas mutantes.

www.alog.net/phonophani/

 


Ir al menú

Escucha! Arvö Part / Arbos

Arvo Part, The Hilliard Ensemble, Dennis Russell Davies

mié 11 Feb 2009 9 p.m.

Arvo Pärt, un icono ya del siglo XX y de la música clásica, se re-presenta con este excelente disco, que se aleja del minimalismo (al que algunos le unen) y se separa de otros trabajos suyos, como "Tabula rasa", más instrumentales y menos metafísicos. Es éste un compositor del cual ninguna de sus creaciones es deplorable, más bien, empleemos otra palabra más justa: son admirables, siendo uno de esos músicos que justifican su exacerbada inteligencia, y, todo sea dicho, oportunidad para abrirse a otro público, trabajando con grupos y artistas actuales clásicos o no (como Keith Jarret, Kronos Quartet, o, en este disco, la mejor coral actual, The Hilliard Ensemble, yDennis Russell Davies, el director de las obras de Glass), al igual que lo han hecho otros músicos de comienzos contemporáneos (Górecki), y que, de paso, demuestran que la calidad puede con todo. Uno de esos pocos autores del Este de Europa que no se encuentran traumatizados por determinados motivos (de cualquier tipo) y han hecho una obra excelente, que ha ayudado a devolver a su esplendor la música clásica tras la horrible hecatombe atómica (a juzgar por las obras de algunos compositores, que fueron totalmente destructoras) que sufrió el siglo XX con los onanistas y los necios que sepultaron a ésta música en una profundidad que han hecho que, una vez recuperada, demuestren que como las creaciones del siglo XX y XXI no hay ningunas.
No es recomendable este artista, es una obligación escucharlo.

Este disco respira (aunque no esté totalmente ligado) el aroma religioso que las últimas obras del estonio tienen, con un aire soliviantado y pausado, con corales muy clásicas y gregorianas, e incluso con piezas orquestales muy cinematográficas.

Las muestras vocales están grabadas, como no podía ser de otra forma, por la formación inglesa The Hilliard Ensemble, de Paul Hillier, una magnífica unión con experiencia medieval que también, al igual que todos los grandes, han trabajado con otros músicos haciendo obras impecables (Jan Garbarek, etc.), y con la excelente interpretación de Gidon Kremer.

El disco viene precedido con una frase de Basho (prueba del espiritualismo de Pärt), y una dedicatoria al director Andreij Tarkovsky.

Un buen ejemplo, sin duda, que nos demuestra que todavía quedan buenos artistas de la época contemporánea (de los que viven) y que nos lleva a descubrir por que Pärt es hoy en día considerado un genio increíble, ¡viva el arbismo!

 

ENTRADA LIBRE !!!

 


Ir al menú

Escucha! David Shea / The Book of Scenes

David Shea

mié 18 Feb 2009 9 p.m.

David Shea es un compositor que trabaja combinando sampler y músicos en vivo, explorando las posibilidades entre electrónica y tradiciones acústicas.
Su trabajo está enfocado en las interconexiones entre estilos, historias y medios, con piezas únicas que contienen múltiples capas de métodos de composición y orquestaciones electrónicas y acústicas -a partir de la música experimental e influencias de música de cine como de músicas tradicionales (tanto de la cultura del oeste como del este) , muchas piezas se basan en películas, novelas, mitología y fuentes visuales.
Entrada Libre !!!


Ir al menú

Escucha ! Chion-Marchetti-Noetinger / Les 120 Jours

Michel Chion, Lionel Marchetti, Jerome Noetinger

mié 04 Mar 2009 9 p.m.

Música concreta, compuesta en 1997-98. Creada el 16 de mayo de 1998 en el festival Música en Acción en Vandoeuvre-lès-Nancy (Francia). Durante 120 días, Michel Chion, Lionel Marchetti y Jérôme Noetinger reunieron sonidos comunes de orígenes múltiples, que cada uno trabajó, transformó, recompuso con su propio estilo. Nos dan a conocer una escritura musical bajo la forma de "citas-colajes", que ellos mismos llaman, por la ocasión, un desvió concreto.
entrada libre !


Ir al menú

Escucha! Taylor Deupree & Kenneth Kirschner - Post_Piano 2

Taylor Deupree & Kenneth Kirschner

mié 18 Mar 2009 9 p.m.

Mucho antes de la actual ola de álbumes de extraordinaria electrónica mezclada con sonidos de piano Kenneth Kirshner, junto con el jefe de 12k - Taylor Deupree del Sub Rosa label, lanzó en 2002 el maravilloso CD "Post_Piano". En ese momento no había ni menor idea de la importancia de este tipo de interacción. Ahora, en retrospectiva, es posible que hayamos perdido la oportunidad de designar al mismo álbum como el nacimiento de la actual escena del estilo "micro".

Kenneth recuerda que durante esa época, en lugar de confiar en los samples, tenía un verdadero viejo piano en su estudio. La original composición episódica "11.11.2003" tiene los reales, inalterados sonidos de piano mezclados junto con los efectos de sonido ambiental (como el sonido de trenes de metro de Nueva York pasando al lado de su ventana).

La música es muy buena, interesante, atractiva, hasta hermosa. Las composiciones de Kirschner son creaciones efervescentes y cadenciosas, parecen sacadas directamente de algunas de las escenas más espeluznantes de las películas de Stanley Kubrick. Mientras tanto, Deupree hace un trabajo maravilloso cogiendo estas sencillas pero, a la vez, profundamente extrañas composiciones y examinándolas hasta sus componentes más principales antes de crear su propia, distorsionada y fragmentada reelaboración .Otra vez, la sombra de Morton Feldman cierne sobre estas grandes obras, que están más basadas en minimalismo clásico que en las obras de Goldmund, Sakamoto y otros.

Las tres piezas del dúo Taylor / Kenneth grabadas entre septiembre de 2004 y enero de 2005 cambian entre paisajes de relativamente siniestros zumbidos, cut-ups de ruido rosa y procesadas notas de piano. El tema "09 .15.2004" con sus persistentes sonidos estáticos suena mucho como las mejores obras de Felipe Jeck. Es un álbum muy serio de dos músicos subestimados, un estilo refrescantemente diferente de los habituales trabajos de piano/electrónica que queda muy recomendable.

La música, sin embargo, es sólo parte de la historia. La otra parte es el hecho de que cada uno de los tres elementos está codificado en el CD de manera diferente: los samples de piano en AIFF, las composiciones de Kirschner en mp3, y las reelaboraciones de Deupree en Red Book. Como surgieren las notas de Kirschner, la idea detrás de este lanzamiento es que usted escuchará las temas de Deupree, se inspirará, cogerá los originales samples de Kirschner y sus composiciones de piano y creará de todo esto algo propio.

Edición limitada: 1500 copias
Bajo la licencia Creative Commons Sampling Plus License.

 

 


Ir al menú

Escucha! Iannis Xenakis - Electronic Works 1

Iannis Xenakis

mié 01 Abr 2009 9 p.m.

cover: 3K consumo minimo

"Con la ayuda de las computadoras electrónicas el compositor se convierte en una especie de piloto, navega en el espacio del sonido, a través de las constelaciones y galaxias sonoras ..." 

Iannis Xenakis (1922-2001) es uno de los más radicales e importantes compositores del siglo XX. En comienzos del decenio de 1950 formuló una teoría de la música estocástica, en 1958 co-fundó el "Groupe de Recherches Musicales", en 1961 fue pionero en el uso de computadores para componer. Ha compuesto para amplia gama de conjuntos y solistas instrumentales, sus polytopes y espectáculos de sonido y luz.
"La música no es un idioma. Cualquier pieza musical es similar a una piedra con formas complejas, con estrías y dibujos grabados en la cima y puede ser descifrada de mil maneras diferentes sin encontrar la respuesta correcta o la mejor", escribió Iannis Xenakis en su nota introductoria a la realización de su instalación de sonido y luz "Diatope" en el Centro Pompidou de París en 1978, para cual compuso el trabajo de siete canales "La Légende d'Eer" (después de Platón). No es sorprendente que Xenakis compara la música con una piedra: sobre todo era un arquitecto, los aspectos formales de las enormes obras electrónicas como "Persépolis" y "La Légende d'Eer" fueron elaborados en detalle meticuloso y son tan sólidos como un catedral gótico. Este extraordinario universo sonoro de pianos, arpas judías, tambores japoneses, y ladrillos, golpeados y frotados uno contra el otro, es tan impresionante como es expresivo, pero lo que hace los mas de 45 minutos de música tan efectivo es la infalible precisión del compositor en la combinación de elementos concretos con su propia música electrónica, hecha con la asistencia de computador, en un diseño formal de proporciones excelentes y estéticamente satisfactorios. Hay un montón de información adicional, tanto en el folleto como en la versión DVD, que incluye la sorprendentes fotografías de Brunos Rastoin del archivo original de extravaganza "Diatope" y una entretenida charla entre Xenakis y Harry Halbreich, pero es la música que más importa.

 

 


Ir al menú

Escucha! John Zorn - Six Litanies for Heliogabalus

Mike Patton (voz), Trevor Dunn (bajo), Joey Baron (batería), Ikue Mori (electrónica), Jaime Saft (teclado), Martha Cluver, Abby Fischer, Kirsten Sollek (voces) y John Zorn (saxo alto)

mié 15 Abr 2009 9 p.m.

consumo minimo : 3K

John Zorn
Six Litanies for Heliogabalus
Tzadik
2007

¿Quién es realmente John Zorn? Para algunos es el gran genio de nuestros tiempos. Para otros, por el contrario, más que un artista es un irresponsable y soberbio reciclador que ha sabido aprovechar los nuevos mercados de la independencia para elaborar un discurso musical desbordado. En ese caso, ¿los segundos no le están dando la razón a los primeros? Desde su apellido, ira en alemán, John Zorn es un músico polémico elevado al estatus de mito marginal de una generación que hace rato rompió con la pureza de los géneros. Este es quizás uno de los aportes más relevantes de su carrera pues Zorn no ha renegado de ningún estilo. Desde el free, el pop, la música académica, las bandas sonoras, entre muchas otras piezas del rompecabezas infinito que pueblan su cabeza, el saxofonista ha sabido sintetizar un mundo que aturde con sus sonidos. Es el caso de una de sus más recientes obras, inmersa en una producción tan prolífica que ya sobrepasa a Zappa, uno de sus maestros de cabecera. "Six Litanies for Heliogabalus" es un infernal disco inspirado en los excesos carnales de Heliogábalo, célebre emperador romano que en sus retorcidos festines tenía como práctica (a medio camino entre la brutalidad y la poesía) ahogar a sus comensales en un mar de pétalos de rosa. La placa, que hace gala del mentado sibarita, es la tercera parte de una tetralogía iniciada en 2006 con la pieza "Moonchild" a la que le siguió "Astronome" (2006) y recientemente, cerrando el ciclo (¿?), "The Crucible" (2008). Inspiradas en textos de magia negra, misticismo y chamanismo provenientes de Aleister Crowley y Antonin Artaud, además de la música de Edgar Varése, estas cuatro piezas son, también, el resultado de los años en los que Zorn (junto Painkiller y Naked City) se involucró radicalmente con las sonoridades del metal. En "Six Litanies for Heliogabalus" encontramos seis perturbadoras plegarias musicales que cargan consigo un siniestro sentido del humor representado en la alucinante y trastornada voz de Mike Patton quien junto a Trevor Dunn (bajo), Joey Baron (batería), Ikue Mori (electrónica), Jaime Saft (teclado), Martha Cluver, Abby Fischer, Kirsten Sollek (voces) y John Zorn (saxo alto) logran una pesadilla que dura alrededor de 40 minutos. Metal progresivo, tonadas medievales, grind core y jazz se dan cita en una experiencia sonora desquiciada. Atención, su vida puede cambiar después de escuchar a Patton llorando, vomitando, escupiendo y riéndose como un pequeño demonio. Un disco apto para oyentes extremos que gustan cruzar la barrera de lo desconocido.

Nota: El siguiente es un comentario anónimo que me encontré en la red:
"...Estas letanías son una misa negra de pavor, un canto al límite, un bálsamo para correr entre la noche entre cipreses y sombras tenebrosas mientras las rosas son despedazadas por el olor de la energía vital que se consume al cerrar la vida su contrato de futuro. John Zorn, un superviviente, rara avis necesario, un demiurgo que convierte el teatro en una plataforma de dolor necesario. Oíd, oíd el sonido del corazón al ser traspasado por la rabia..."

 

 


Ir al menú

Escucha! Misa Digital - en memoria de Olivier Messiaen

JUNGHAE LEE, PHILIPPE KOCHER, KIT POWELL, MICHAEL HEISCH

mié 29 Abr 2009 9 p.m.

cover : consumo minimo de 3K

Acción sonora electroacústica

Missa digitalis

En memoria del compositor francés
OLIVIER MESSIAEN (1908-1992)

La Misa digital y sus partes:

Se afirma que el compositor francés Pierre Henry aspiraba en su juventud a destruir la música para de esa manera acceder a la armonía de las esferas. "Este tipo de búsquedas se percibe en la música electroacústica desde sus comienzos" afirma Thomas Meyer. En 1935 para el filme El demonio del Himalaya, Arthur Honegger emplea los efectos del "trautonio" para enfatizar el carácter inquietante y fantástico de la situación. La música entonces parece alejada de la realidad. Este es apenas un ejemplo de cómo los sonidos de origen electrónico se prestan para expresar lo sobrenatural es decir, lo espiritual, sin hablar de los éxtasis sicodélicos de la música pop. En ese sentido, podríamos pensar que la música electroacústica está predestinada para la música religiosa.
La Misa digital fue una iniciativa de la parroquia de Santa Elisabeth de Basilea (Suiza). En ella figuran cuatro partes de La ascensión para órgano de Olivier Messiaen quien, a menudo, utilizó las Ondas Martenot -uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos- para trascender el timbre de la orquesta. La música de Messiaen propone una especie de comentario teológico ajustado a cinco piezas de compositores actuales en las cuales el órgano desempeña un papel significativo.

.Kyrie: se basa en un kyrie gregoriano. El material sonoro se compone de dos estructuras que se descomponen y se modifican en el desarrollo de la pieza. Grandes arcos sonoros y su lento reflujo en el espacio abren una nueva esfera al oyente.
.Gloria: dos planos sonoros -el hombre y la naturaleza/Dios- se entremezclan aquí. El oyente es primero transportado por una ola resonante; se oye la inmensidad del mar. En el estrépito se escucha la respiración de un órgano. Ruidos y voces se mezclan y se funden a niveles diversos. Todo parece desaparecer en el oleaje.
.Credo: El compositor emplea voces humanas, de ballenas y de ranas, la música surge aquí y allá mientras la sonoridad del canto solista se impone en forma ocasional para luego desaparecer. Se trata de la vida: sobre la tierra, bajo tierra y en aire; una vida que se renueva sin pausa.
.Sanctus-Benedictus: No es sólo celebración, aún si la sonoridad expresa un aire triunfante. A los colores brillantes del Sanctus, el compositor propone los matices más sutiles de la meditación en el Benedictus. Que parece orientarse hacia un final tranquilo.
.Agnus dei: expresa desesperación y desesperanza. De una parte, la visión de Dios que perdona todo; de otra, las imágenes del sufrimiento del hombre que los medios de comunicación imponen cada día.
Estas cinco piezas elaboradas por compositores de tres continentes contrastan con la fé robusta que expresan las meditaciones para órgano de Messiaen.

Traducción y adaptación: C. B. O

Los compositores.

JUNGHAE LEE: Nació en Tokyo. Desde 1964 se instala en Corea con su familia. En la Universidad de Seúl inicia estudios de composición que continúa luego en Viena y Basilea en donde también estudia clavicémbalo. Fue alumna de Isang Yung y de Toro Takemitsu. Ingresa en 1991 al Estudio electrónico de Basilea. Sus primeras piezas en el medio electroacústico aparecen en 1997 año en el que recibe un premio en el Concurso "Música Nova " de Praga.


PHILIPPE KOCHER: Estudia música en el Conservatorio de Zurich, además de piano, musicología y procesos de computación. Se desempeña como pianista en grupos de jazz. Obras suyas se han escuchado en Suiza, Bélgica, Francia y Alemania.


KIT POWELL: Desde 1984 vive en Suiza. Estudió música y matemáticas. Su catálogo incluye piezas en varios géneros incluyendo teatro musical. Ha escrito textos sobre pedagogía musical.


MICHAEL HEISCH: Estudió composición en Zurich y dirección de coro y orquesta. En 1998, recibe un premio en el concurso "Luigi Russolo". Se desempeña como contrabajista y ha incursionado en la escena teatral.

Presentación y producción: Carlos Barreiro Ortiz -ACME.
Agradecimientos: Asociación colombiana de Música electroacústica (ACME), Embajada de Suiza.

 

 


Ir al menú

Escucha! Krzysztof Penderecki - Orchestral Works

Krzysztof Penderecki

mié 20 May 2009 9 p.m.

3k consumo minimo

Esta colección de la música de Krzysztof Penderecki abarca una de las piezas más intensas, incluso extremas, de música contemporanea: "Threnody for the Victims of Hiroshima". Tocado en el registro extremo por 52 artistas de cuerdas, esta pieza, en todos los sentidos, es un lamento profundo . Llorando al bombardeo de Hiroshima en un momento en que seguía siendo una histórica medalla sobre el pecho de la guerra de los EE.UU., Threnody era inolvidable por su gran gama de colores de sonido, desde los más tranquilos y más frágil hasta los más furiosos. UNESCO oficialmente seleccionó la composición como una de las mejores obras de 1961, engalanando el nombre de Penderecki y la flagrante intensidad de la composición en todo el mundo musical. El resto de las piezas en el CD hace una sorprendente colección, ya que muchas de ellas hicieron parte del fondo musical de la inolvidable película de Stanley Kubrick - "The Shining".

Krzysztof Penderecki

(Debica 1933) Compositor polaco. Discípulo de Malavski, ejerció la docencia en Cracovia. Junto con Lutoslawski, introdujo el vanguardismo en los países del este, particularmente en Polonia.

Creador de un novedoso expresionismo musical, su trabajo se caracteriza por la experimentación con nuevas posibilidades en la utilización de los instrumentos de cuerda y de la voz humana.

Entre sus obras más representativas pueden citarse Anaklasis (1960), para cuerda y percusión, Threnos a las víctimas de Hiroshima (1961), que dura el tiempo del bombardeo a la ciudad japonesa (8' 37''), la Pasión según San Lucas (1966), que sigue un esquema barroco en dos partes, Dies irae (1967) y la ópera Los diablos de Loudun (1968-69). En 2001 le fue concedido el Premio Príncipe de Asturias de las artes.

 

 


Ir al menú

Escucha ! Ground Zero - Consume Red

Ground Zero, Otomo Yoshihide

mié 17 Jun 2009 9 p.m.

entrada libre

Es difícil hablar de Ground Zero ya que su música es tan original y inclasificable.
El grupo (o más bien Otomo Yoshihide) ya nos había impresionado con su primer
álbum de una violencia inaudita, en el estilo de Naked City, versión ruidista.
Nos dejo literalmente traumatizados con "Revolutionary Pekinese Opera v1.28" verdadero maelström de samples y amontonamiento de sonidos de una coherencia y fluidez asombrosa.


Con este disco, titulado" Consume Red ", Ground Zero presenta un trabajo muy desequilibrante y totalmente diferente.
Un track, 57 min. El escenario está establecido. Y durante esta hora de música, el grupo utilizara una sola melodía, repitiéndola en loop. La melodía es sencilla, eficaz, pega de una a la cabeza. Hecha con un instrumento tradicional Japonés (?): ambiente nipón garantizado!
Poco a poco, se añaden muestras, cortos pasajes ruidistas (unos segundos), algunas notas por ahí de instrumentos tradicionales, pero durante un tiempo muy corto, dejando espacio para la melodía. A partir del minuto 20 estas muestras se alargan, los pasajes son cada vez más ruidosos y numerosos, y en conjunto a los instrumentos tradicionales japoneses casi cubren esta melodía totalmente enloquecedora!
Alrededor de 25 minutos llegan con fuerza unas percusiones, y desde ese momento, nos vamos a hundirse en un mundo de locura, cada vez más furioso, más ruidoso, más y más violento... más y más loco. Esta progresión es muy lenta, pero muy dolorosa. Es casi insostenible, ya que es muy difícil de llegar a la media hora de escucha y sabemos que aún nos queda otra media hora para tomar, y que estos últimos 30 minutos van a ser aun más dolorosos que los 30 primeros... es un verdadero desafío escuchar este álbum en su totalidad, tanto nos empuja hacia los límites de la locura.
Se podría comparar este disco con la famosa tortura de la gota de agua, cuando uno está amarado a una mesa durante días y una gota de agua cae en intervalos regulares en su frente, hasta que el supliciado pierda completamente la razón. "Consumir Roja" es lo mismo.
Reservado a los más valientes de ustedes.

Guts of Darkness, 2004.

 


Ir al menú

Escucha ! Cuba en tiempo Electroacustico

Rubén Hinojosa, Fernando Rodríguez, Roberto Valera, Juan Blanco, Carlos Fariñas, Juan Piñera

mié 01 Jul 2009 9 p.m.

entrada libre

AUDICIÓN SONORA

EN MATIK-MATIK

CUBA EN TIEMPO ELECTROACÚSTICO

CINCUENTA AÑOS DE LA REVOLUCION CUBANA

EN MEMORIA DE LOS COMPOSITORES CUBANOS

JUAN BLANCO (1920-2008) Y HARLD GRAMATGES (1918-2008)


REPERTORIO

PROLOGO:
Gabriel Proy (Austria, 1965):
.Habana (2002/2003) Estreno en Colombia 5:45 minutos

Programa:
. Rubén Hinojosa (1970-):
Desde el jardín del tiempo, 1999 5:45
. Fernando Rodríguez :
Plegaria, 2000 4:36
. Roberto Valera (1938-):
La palma 9:26
. Juan Blanco:A
Canción, 1998 19:53
. Carlos Fariñas (1934-)
Orbitas elípticas,1993 10:15
. Juan Piñera (1949-)
Ajuandejuan, 2000 14:00

Producción: Carlos Barreiro Ortiz- Acme-

Agradecimientos: Laboratorio nacional de Música electroacústica de Cuba.

 

¿Sabe hacer barcos de papel? Venga y hágalos con nosotros. O tráigalos hechos (cualquier papel es adecuado). O, traiga versos de poetas cubanos y léalos con nosotros.

 

 


Ir al menú

Escucha! Supersilent - 6

Supersilent

mié 15 Jul 2009 9 p.m.

Entrada Libre

Noche de escucha (cierra los ojos, la boca y abre los oidos)

Supersilent es un cuarteto noruego de musica venguardista/electroacustica ello Rune Gramofon. su manera de hacer musica esta basada en la composicion espontanea, a la manera del grupo AMM.

www.supersilence.net

http://www.runegrammofon.com/


Ir al menú

Escucha! Musicas del Nilo

David Fanshawe

mié 22 Jul 2009 9 p.m.

entrada libre

Un viaje musical desde la fuente del Nilo hasta su desembocadura. Grabaciones de campo hechas en 1969 y 1975 en los paises en los cuales el Nilo pasa : Uganda, Kenia, Sudan y Egipcio. Musica ceremonial, musica de la vida cotidiana, David Fanshawe grabo estos documentos sonoros viajando de pueblo en publo siguiendo el rio mas largo de africa.

Que vengan a viajar gratis cerrando los ojos y acostandose en los pufs de matik!


Ir al menú

Escucha! Bernard Parmegiani - Chants magnétiques

Bernard Parmegiani

mié 12 Ago 2009 9 p.m.

entrada libre

Bernard Parmeginai - chants magnétiques
// "Here is a masterpiece of electronic music! French musician Bernard Parmegiani has composed Chants Magnetiques in 1974, one of the most sought-after Parmegiani albums -- a monster rarity which is almost impossible to find. This obscure album was composed around the same time as De Natura Sonorum during the mid-'70s, a particularly important and effervescent era for Bernard Parmegiani. Indeed, as if one can say that De Natura Sonorum is one of the best of Parmegiani's 'serious' works in terms of technics-sound-harmonic-tone, then there is no doubt that Chants Magnétiques is his chef-d'oeuvre on his 'dark side,' the 'Parmegiani's hidden face' that few people know nowadays. A collection of 10 united tracks under the title album name Chants Magnétiques/Magnetic Fields -- titled before Jean Michel Jarre's album -- and musically, in summary, more experimental, more organic, more spacey album in comparison to his famous INA-GRM works. This reissue on CD for the first time will rejoice all music lovers from Edgard Varèse, Karlheinz Stockhausen, Tod Dockstader to Musica Elettronica Viva, Nurse With Wound, Organum, Conrad Schnitzler. Official remastered edition from the original master tapes with the original cover sleeve." //

// Spécialisé dans les musiques expérimentales psychédélico-jazzeuses essentiellement japonaises, Fractal Records offre à son catalogue un bien bel opus de musique électroacoustique. En 1974, cet album est pressé par le label d'illustration musicale PSI / Sonimage, et par conséquent n'est diffusé qu'auprès des professionnels de l'audiovisuel. Remastérisé à partir des bandes originales, "Chants magnétiques" de Bernard Parmegiani sort enfin de l'ombre en 2007, grâce à cette toute première réédition CD, gratifiée de la pochette de couverture originale, avec (s'il vous plait) : une bouteille de vin, un camembert et un magnétophone à bandes ! Peu connu et pratiquement occulté de toute biographie de l'artiste, ce disque pourtant d'une beauté insolante, peut enfin tenir dignement sa place, à côté d'une oeuvre phare enregistrée un an plus tard : "De Natura Sonorum".
Au travers de ces 9 courtes pièces pour l'image d'une modernité et d'une plasticité étonnante, Bernard Parmegiani nous propose une démonstration de son talent, une écoute multidirectionnelle qui finit par évoluer vers un véritable cabinet de curiosités sonores où il use et abuse des diverses techniques du montage, mise en boucle, inversion, transposition, échantillonnage, compression, écho, filtrage, mixage, accumulation... Cette année, Bernard Parmegiani fête ses 80 ans et ses pièces nous convient inévitablement à regarder l'oeuvre tout entier de ce personnage iconoclaste et légendaire de la nébuleuse électroacoustique. D'abord ingénieur du son à la radio et à la télévision, c'est sur les incitations et encouragements de Pierre Schaeffer himself, qu'il intègrera le GRM en 1960. Parmegiani cristallise à lui seul toute l'évolution de la musique concrète, de l'âge artisanal jusqu'à l'âge numérique. Depuis 1979, Bernard Parmegiani travaille avec l'informatique. Cité comme référence par bon nombre d'artistes les plus innovants de l'IDM (Intelligent dance music), il figurait même dans la programmation du festival All Tomorrow's Parties (avril 2003), sur invitation d'Autechre !
Virtuose de la composition sur bande, Bernard Parmegiani produit une "musique génératrice d'images mentales qui ouvre à l'auditeur les portes menant à son propre cinéma intérieur". //

 


Ir al menú

Escucha! Nam June Paik

Nam June Paik - Works 1958.1979

mié 19 Ago 2009 9 p.m.

Entrada Libre

 

Audicion de obras musicales compuestas por el padre del videoarte: Nam June Paik

Nam June Paik (Seúl, Corea del Sur, 1932 - Miami, EE. UU., 2006)

fue un famoso compositor y videoartista surcoreano de la segunda mitad del siglo XX. Estudió música e historia del arte en la universidad de Tokio.

Más tarde, en 1956, viajó a Alemania, donde estudió teoría de la música en Múnich, continuando en Colonia y en el conservatorio de Freiburgo.

Trabajó en el laboratorio de investigación de música electrónica de Radio Colonia, y participó en el grupo de performances fluxus.



Ir al menú

Escucha! David Tudor - Rain Forest

David Tudor

mié 21 Oct 2009 9 p.m.

entrada libre

RAIN FOREST
(Bosque húmedo)

En memoria de Merce Cunningahm
(USA, 1912-2009)

David Tudor: Sonidos electrónicos

Repertorio:
. Rain Forest I (1968)
. Rain Forest IV (1973)

Complemento: Secuencia de danza de Merce Cunningham en su studio de Westbeth con John Cage al piano.


Producción: Carlos Barreiro Ortiz - ACME -

Miércoles, octubre 21 8:30 pm.
Entrada libre ( con algo plateado para colgar)



De acuerdo con David Tudor, Rainforest ha existido en cuatro versiones diferentes: La primera de ellas es una composición musical electroacústica creada en 1968 para la coreografía de una danza de Merce Cunningham estrenada ese año. La coreografía que dura 21 minutos se presentó allrededor del mundo por el propio David Tudor, Takehisa Kosugui y la compañía de Cunningham. Se utiliza un sonido de ocho canales que rodean al público. LA versión ha sido objeto de polémicas en particular por la escenografía de Andy Warhol de almohadas de tela metálica plateada suspendidas en el espacio escénico, que al ser infladas con helio, interactúan con los bailarines en una secuencia de acciones aleatorias. La obra de Warhol que en su versión original se presentó ese mismo año en forma de instalación en una galería de N.Y. bajo el rótulo de Silver Clouds, hace parte de la exposición que se presenta en el Museo de Arte de la Biblioteca Luis ANgel Arango.

 

Para aquellos que no conocen a David Tudor, déjenme decirles que él fue durante algún tiempo, el pianista más vanguardista de su generación. A mediados de la década de 1960, Tudor abandonó de manera progresiva su carrera de pianista pero no me extrañaría si sus actividades actuales hubieran llegado a ser más importantes que sus legendarios conciertos en Europa con Stockhausen, Cage y algunos otros en esa misma década y en la siguiente. Tom Johnson, 1973


Rainforest . es una instalación acústica que se escuchó por primera vez en 1968 en el interior de una granja en Chocorua (New Hampshire). Decenas de objetos fuera de lo común estaban suspendidos del techo hasta la altura de la oreja, mientras el espacio se llenaba de sonidos suaves que producían los objetos colgados. Este procedimiento había sido refinado aún más por David Tudor, capturando vibraciones de esos objetos a través de micrófonos de contacto, realimentando los controles con filtros y mezclas, y distribuyendo el sonido hacia alguno de los objetos o parlantes...

 

Describir Rainforest a cabalidad es imposible porque hay allí demasiados elementos en movimiento. Describir su funcionamiento es sólo un poco menos difícil. Escucharlo, no obstante, es una experiencia inolvidable. Rainforest no es música. Sin embargo, como un todo, es sorprendentemente musical. Ray M. Close, 1976.


Traducción y adaptació :Carlos Barreiro Ortiz

 


Ir al menú

Escucha! Phonophani, Genetic engineering

Phonophani

mié 02 Dic 2009 9 p.m.

Entrada Libre

Audicion de Genetic Engineering, secundo album del noruego Phonophani

 

Crystal clear production and visionary artistry make this a brilliant sophomore effort and one of the label's
best releases yet. Motion, UK


50 minutes of sublime sonic experimentation that seldom loses your attention and gets down to inventing it's
own, runic musical language. A quiet triumph. Muzik, UK

A strange and beautiful beast. Wire, UK

A second album from Norwegian Espen Sommer Eide, his first on this consistently interesting label. It's
digital stuff, Eide's own software gradually mutating loops in a gentle and very modern ambient style. His
sounds change with a very naturalsounding unpredictability; it's beautiful. Flux, UK


Drones and glitches have become the lingua franca of experimental electronica and it is rare that an artist
forces them to articulate anything different. Genetic Engineering begins with the striking Lavenderloops,
twisting vocodered phrases into a beautiful melody. The occasional vocals, as on End of all Things, enhance
the disembodiment, a sense of mental static lovingly pressed on to a small silver disc. The Times, UK


Both (Phonophani and Supersilent) possess the ability to let you wander off yet find yourself returning to
their absorbing textures, becoming an integral part of your environment, as per Eno's definition of ambient.
Beware, instant hit music is a barely visible dot on the horizon from this, but if you've got some time and
concentration to spare, these are worth spending it on. 8/10. Wax, UK

An often unsettling slice of electronica combining melody and subliminal disturbances. Mojo, UK


Phonophani distils his obfuscated samples into post-Oval music that is strange, beautiful and moving.
PhonopaniÃ" s boreal scrapes, throbs and ticks are as emotive as any other record issued this year. Ammocity,
UK


An admirable grasp of musical means with a fascinating result. Another recommended release from Rune
Grammofon. Extract, NO


Sommer Eide is simply a master of the computer and the sampler. Eight tracks so organic that they positively
breath by themselves. An etheric joy to listen to. Osloposten, NO


There's a pureness of tone to Eide's programming, the sounds glassy and icy, a windyness and distance like
Sigur Ros, the depth of Vladislav Delay. Other Music, US


Somewhere between ambient dub and the most innovative electronica. Plan B, NO

 


Ir al menú

Escucha! Luc Ferrari - cycle des souvenirs

Luc Ferrari

mié 27 Ene 2010 9 p.m.

entrada libre

Luc Ferrari (1929-2005) fue un compositor francés, que destacó principalmente por ser uno de los pioneros de la música electroacústica, y por su personal interpretación de algunas de las corrientes musicales contemporáneas. Trabajó además en otros campos, como teatro, radio, o documentales.

Biografía

Nació en París, el 5 de febrero de 1929. Desde muy pronto se rodeó de grandes profesores, como Alfred Cortot, Olivier Messiaen y Arthur Honegger, con los que estudió piano, análisis musical y composición, respectivamente. Influido por las vanguardias dominantes de la época, sus primeras obras están marcadas por la técnica serialista.
Su vida cambia radicalmente en 1954, año en que viaja a New York para entrevistarse con Edgar Varèse, compositor al que admiraba profundamente tras la audición de varias de sus obras (especialmente Déserts). Tras este encuentro, la música de Ferrari experimenta una brusca evolución tras adoptar varios de los principios de Varèse sobre el sonido, que desde ahora tratará frecuentemente como un objeto no dependiente de la armonía. También es en esta época donde empiezar a usar cintas magnéticas en su propia música.
Cuatro años más tarde, funda la Groupe de Recherches Musicales junto a dos de los compositores punteros de la música concreta, Pierre Schaeffer, y François-Bernard Mâche.
Con Hétérozygote (1963-1964), alcanza la madurez y el reconocimiento internacional. En esta pieza (para cinta magnética), Ferrari utiliza una serie de sonidos ambientales para crear un collage "organizado y poético". Es una de las obras más representativas del compositor, que frecuentemente utilizaba sonidos del mundo real en su lenguaje musical.
En la misma línea de esta composición, se puede enmarcar su Presque Rien No.1, donde condensa 24 horas de sonidos ambientales tomados en una playa yugoslava, en 21 minutos, sugiriendo una serie de acontecimientos en el tiempo. Es en esta obra donde más se aprecia la influencia de John Cage, concretamente de su idea de que la música es todo aquel sonido que nos rodea a lo largo del tiempo y del espacio, y que para escucharla tan sólo tenemos que pararnos y prestar atención.
Además de sus obras para cinta magnetofónica, escribió música para grupos de instrumentos tradicionales, entre las que destaca Sinfonía Inacabada (1960-1963) e Histoire du Plaisir et de la Desolation (1979-1981).
Luc Ferrari muere en Arezzo (Italia), el 22 de agosto de 2005. Su última composición, Femme descendant l'escalier, fue grabada en Madrid para el proyecto Itinerarios del sonido.Casualmente, su muerte se produjo un día antes a la de Robert Moog (inventor del sintetizador que lleva su nombre).

 


Ir al menú

Escucha! Fred Frith - accidental

Fred Frith

mié 10 Feb 2010 9 p.m.

entrada Libre

Fred Frith (Heathfield, Reino Unido, 17 de febrero de 1949) es un compositor, multiinstrumentista e improvisador inglés. Popular por sus trabajos como guitarrista, inició su popularidad siendo integrante del grupo de rock experimental Henry Cow. También integró los grupos Arts Bears, Massacre y Skeleton Crew. Ha colaborado con músicos como Robert Wyatt, Brian Eno, Lars Hollmer, The Residents, Lol Coxhill, John Zorn, Bill Laswell, Derek Bailey, Iva Bittová and Bob Ostertag. Es compositor de obras de larga duración como Traffic Continues (1996, interpretada en 1998 por Frith y el Ensemble Modern) y Freedom in Fragments (1993, interpretada en 1999 por el Rova Saxophone Quartet).


Ir al menú

Escucha! Luis de Pablo

Luis de Pablo

mié 24 Mar 2010 9 p.m.

AUDICION SONORA EN MATIK-MATIK

MÚSICA ACUSTICA Y ELECTROACÚSTICA DEL COMPOSITOR ESPAÑOL

Luis de Pablo (Bilbao, 1930)


Selección musical y producción: Carlos Barreiro Ortiz -ACME

ENTRADA LIBRE
-----------------------------------------------------------------------------------------


LUIS DE PABLO: RESEÑA BIOGRAFICA


Luis de Pablo Costales es un compositor con toda la barba. Al menos, esa es la imagen que ilustran las carátulas de los discos que, en décadas recientes promueven su obra, y que reproducen los libros que ha escrito en los cuales con conocimiento y rigor se refiere a aspectos diversos de la historia de la música. La mirada inquisitiva y cierto desaliño en el vestir, completan el retrato de un artista que en sus composiciones ha trascendido la imagen de una música española anclada en las raíces del arcaísmo folclórico.
Luis de Pablo nació en Bilbao el 28 de enero de 1930 lo cual, le otorga una natural impronta a su carácter vasco. Su familia se traslada a Madrid en 1936 en donde el futuro compositor escuchará las primeras notas musicales sobre todo en las voces de cantantes de zarzuela tradicional. No obstante, de Pablo se iniciará en la academia estudiando Derecho en la Universidad Complutense en donde obtiene la licenciatura en 1952. De la década de 1950 proviene su decisión de estudiar música aunque siempre al margen de los marcos convencionales. Se interesa por la estética de la II Escuela de Viena (Schoenberg, Webern, Berg); luego se inclina por las propuestas de Boulez y de Stockhausen. Su lenguaje personal empieza a tomar forma en 1956 cuando escribe piezas como Coral y Comentario para grupos de cámara. En forma simultánea da muestras de su capacidad como organizador de actividades en favor de nuevos frentes musicales. De esta manera, su presencia al frente de agrupaciones como Juventudes Musicales, Tiempo y Música, Alea y EL Centro para Difusión de Música Contemporánea responden a una "conciencia muy acusada de su responsabilidad frente a la revitalización de la música española".
Su contacto con los festivales de la ciudad alemana de Darmstadt le abren nuevas alternativas a su proyecto musical. En sus primeras piezas, de Pablo busca formas de ordenación que se refieren al hecho físico del sonido, aplicando procesos aleatorios y estructuras abiertas. En la década de 1970, su música parece estar más comprometida con la escritura fija, con el hecho musical que integra gesto,, acción y recursos plásticos, como se observa en Soledad interrumpida. Desde allí, su estética hace un viraje hacia el pasado musical que se ilustra en Paráfrasis y, sobre todo, en Élephants ivres (1973) en donde la polifonía del siglo XVII se hace audible. En más de cuatro décadas de creación musical, el catálogo de Luis de Pablo alcanza más de un centenar de partituras en géneros tan diversos que abarcan elementos vocales, instrumentales, mixtos, teatrales y la sonoridad electroacústica. Ha ofrecido conferencias y seminarios en países de Europa, Asia y América, y ha dictado cátedras en USA, Canadá y en el Conservatorio de Madrid. En 1969, una obra suya obtiene el Gran premio de la Academia "Charles Cross" del disco francés. Entre las distinciones recibidas figuran el Premio "Luigi Dallapiccola", el Premio Nacional de Música, el Premio Pablo Iglesias entre otros. En 1985, el gobierno español le otorgó la Medalla de Oro del Rey en Bellas Artes. Entre los libros publicados destacan Aproximaciones a una estética de la música contemporánea (1967) y Lo que sabemos de música (1967).
Uno de los aspectos más singulares en el trabajo musical de Luis de Pablo ha sido su sistemática relación con el cine español, en particular con aquellas tendencias que buscan formas nuevas de expresión y que comparten escenario en Madrid y Barcelona. Una nueva promoción de cineastas españoles empieza a proyectarse en la escena internacional con el concurso de compositores que como de Pablo, García Abril o Carmelo Alonso Bernaola definen nuevos y personales lenguajes sonoros. Desde su primera incursión en el cine (Los jardines de Granada, 1956), el catálogo del músico español se ha incrementado hasta alcanzar más de cuarenta partituras originales entre documentales y largo metrajes. De Pablo ha trabajado con reconocidos cineastas españoles como J. L. Borau (Crimen de doble filo, 1964), A. Eceiza (El próximo otoño, 1966), Víctor Erice ( El espíritu de la colmena, 1973), F. Colomo ( ¿Qué hace una chica como tú en lugar como éste?, 1978) y, sobre todo con Carlos Saura con quien ha compartido créditos en filmes celebrados por la crítica como LA caza, 1965; La madriguera, 1969; El jardín de las delicias, 1970 o Peppermint frappé, 1967. De acuerdo con Manuel Valls Gorina, la música para cine de Luis de pablo se caracteriza por la austeridad, la intensidad, la experimentación y "un profundo sentido ambiental" que logra uno de sus máximos aciertos en la partitura para el filme El espíritu de la colmena de Víctor Erice.

Carlos Barreiro Ortiz
Bogotá, febrero de 2010.

 

 


Ir al menú

Escucha ! Beluchistán, música medicinal

musica tradicional de beluchistán

mié 23 Jun 2010 9 p.m.

entrada libre

audición de música tradicoinal de la región del Beluchistán, repartida entre Irán, Afganistán y Pakistán. 

El Baluchistán es el hogar de las tradiciones musicales orientadas hacia un aspecto espiritual. Lo que buscan con la música es crear estados de trance.

Por otra parte, dado el aislamiento de estas poblaciones, lejos de la urbanidad, todavía sobrevive la función de medicine-man en algunos curanderos músicos. 

A la manera de los chamanes siberianos o gnawa africanos, existen rituales magicos con músicas especificamente tocadas con el Sorud, que es un tipo de viela que se acerca del Sarangi de la India.

Además, existe la shervandi, una canción épica del siglo XIX tocada el Sorud o el laúd tamburag en uno de los veinte modos (zahirig) específicos de esta región. Es una variación del Sowt, ópera inspirada 
el maqâm árabe.


Ir al menú

Escucha! Alog - Red Shift Wing

audicion del disco red shift wing del grupo noruego Alog

mié 21 Jul 2010 9 p.m.

entrada libre

audicion del album red shift wing del grupo noruego Alog, duo de musica con tendencia improvisada.

mas bien , miran esto:

http://www.youtube.com/materialvision


Ir al menú

Escucha! Gastr del Sol - Crookt, crackt, or fly

Gastr del Sol

mié 11 Ago 2010 9 p.m.

entrada libre

http://www.youtube.com/watch?v=XaDfGFW6MZo

Grubbs, integrante de las bandas Squirrel Bait, Slint y Bastro, formó el grupo en Chicago en 1991. Luego de que se unan Bundy K. Brown en bajo y John McEntire en batería como integrantes -ambos miembros de la última formación de Bastro-, la banda editó en 1993 su primer disco, The Serpentine Similar. En 1994 Brown y McEntire renunciaron al grupo para unirse a Tortoise, y el guitarrista, compositor y productor Jim O'Rourke se unió a Grubbs para continuar con el proyecto.

Formación de dúo

En este punto Gastr del sol es una colaboración entre Grubbs y O'Rourke, mas la constante presencia de diversos invitados que siempre variaban. Aunque McEntire no era más miembro del grupo, continuó colaborando con Gastr del Sol tanto en álbumes como en conciertos..

La mayoría de los discos producidos durante este período se editaron por la discográfica Drag City, comenzando con un disco a base de guitarras acústicas llamado Crookt, Crackt, or Fly, en 1994. "Work From Smoke", la obra central del álbum, muestra la inclinación de Grubbs y O'Rourke por la interacción entre las guitarras atonales y el clarinete bajo, y de las letras cada vez más surrealistas de Grubbs.

En 1995 editaron varios discos. En el EP Mirror Repair aparecieron elementos de música electrónica. The Harp Factory on Lake Street, lanzado por el sello Table of the Elements, fue su trabajo más experimental, una obra para orquesta de cámara con voces y pianos ocasionales realizados por Grubbs.

Upgrade & Afterlife, de 1996, incluyó una obra muy destacada de la banda, "Our Exquisite Replica of 'Eternity'", y una extensa interpretación de la pieza de John Fahey llamada "Dry Bones in the Valley" con la participación de Tony Conrad en violín.

Con el lanzamiento de Camoufleur en 1998, Gastr del Sol se introdujo mas en el ámbito de las melodías tradicionales y del pop barroco, creando así su álbum más accesible y tradicional musicalmente. Los diferentes patrones de acordes, melodías, fliscorno y unos arreglos de cuerdas fuertes son un adelanto de lo que emplementaría luego O'Rourke en sus discos mas también más pop. El álbum fue co-compuesto por Markus Popp, del grupo alemán Oval pioneros en el género de música glitch, quien contribuyó en los aspectos electrónicos del álbum.

Luego de Camoufleur la banda se separó. Grubbs y O'Rourke continuaron editando discos solistas o con bandas dentro del rock, el pop, y la música experimental.

 


Ir al menú

Escucha! Francisco López

Francisco López

mié 29 Sep 2010 9 p.m.

entrada libre

Francisco López (Madrid, España; 1964) es un músico experimental y artista sonoro de vanguardia español.

En 1982 y hasta 1986 hizó grabaciones de insectos (El Internado) ya que es Biólogo de profesión.1

Francisco López es uno de los principales exponentes de la música experimental y la música electroacústica desde 1985.

Ha creado un impresionante universo sonoro absolutamente personal, editando una gran cantidad de discos con compañías de más de cincuenta países y realizado multitud de conciertos e instalaciones sonoras en los cinco continentes, incluyendo algunos de los mas importantes museos, galerías y festivales internacionales, como: Auditorio Nacional de Música, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, Exposición Internacional de Zaragoza de 2008, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Centro de Arte Contemporáneo P.S.1 de Nueva York, Museo de Arte Moderno de París, Instituto de Arte Contemporáneo de Londres, Centro de Arte Contemporáneo de Kitaky?sh?, Festival Fringe de Darwin, Festival Internacional de Cine de Roterdam, Sónar.

También es un científico, de reconocido prestigio internacional en el ámbito de la Biología y la Dinámica de Sistemas. Ha dirigido varias Tesis Doctorales y ha publicado decenas de artículos en revistas de alto impacto.

Ha colaborado con mas de 100 artistas y ha publicado con 170 sellos discografícos. Además entre múltiples premios cabe destacar la Mención Honorífica en el Ars Electronica Festival de Linz en tres ocasiones,2 y el premio del concurso de arte sonoro Broadcasting Art I del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León3

fuente: Wikipedia

 

 

 


Ir al menú

Escucha! La création du monde (Bernard Parmegiani)

Bernard Parmegiani

mié 25 May 2011 9 p.m.

entrada libre

Escucha del disco "La Creation du Monde" de Bernard Parmegiani (francia, 1927.)
obra maestra de la música electroacústica.
fresco sonoro sobre la creación del mundo, no según la Biblia sino según las teorias de la astrofísica.


Ir al menú